estilo negro
Superfine: la moda como herramienta clave de expresión cultural
- Ubicada en el segundo nivel del Museo Metropolitano de Nueva York, la exposición también rescata la elegancia de figuras como William Whipper, exitoso comerciante, y W.E.B. Du Bois, uno de los hombres más fotografiados y mejor vestidos de su tiempo.
El recorrido que confirma que la moda es una herramienta de expresión.
Nueva York. Por primera vez, el Instituto del Vestido del Museo Metropolitano de Nueva York dedica una muestra exclusivamente a diseñadores afrodescendientes. Y, en más de veinte años, pone la mirada en la moda masculina.
Lejos de centrarse en íconos individuales como Karl Lagerfeld o Charles James, la exposición ‘Superfine’ destaca a nuevos talentos, como Agbobly, y construye una narrativa rica y vibrante sobre el estilo negro masculino a lo largo de los siglos.
La muestra construye una narrativa rica y vibrante sobre el estilo negro masculino a lo largo de los siglos.
La muestra construye una narrativa rica y vibrante sobre el estilo negro masculino a lo largo de los siglos.
Bajo la curaduría de Andrew Bolton y la académica Mónica L. Miller, esta propuesta despliega más de 60 piezas, entre prendas, accesorios, retratos, fotografías y audiovisuales que revelan cómo el estilo puede ser político y emocional.
La muestra construye una narrativa rica y vibrante sobre el estilo negro masculino a lo largo de los siglos.
La inspiración proviene del libro de Mónica L. Miller “Slaves to Fashion: Black Dandyism and the Styling of Black Diasporic Identity”, una investigación que atraviesa la historia del dandismo negro como una forma de reclamar identidad, belleza y poder en espacios donde antes fueron negados.
La muestra construye una narrativa rica y vibrante sobre el estilo negro masculino a lo largo de los siglos.
Una experiencia sensorial
En la segunda planta del Met, los visitantes recorren una narrativa que explora los pilares del dandismo negro: propiedad, presencia, distinción, disfraz, libertad, campeón, jook (casas de placer frecuentadas por la comunidad negra), herencia, belleza, frescura y cosmopolitismo.
La muestra construye una narrativa rica y vibrante sobre el estilo negro masculino a lo largo de los siglos.
Desde prendas usadas por personas esclavizadas —lujosas, bordadas, al servicio de la ostentación ajena— hasta piezas contemporáneas de Virgil Abloh, Dapper Dan, Pharrell Williams o Grace Wales Bonner, la exposición cruza siglos y estilos. Cada pieza cuenta una historia de lucha, ingenio y sofisticación.
La muestra construye una narrativa rica y vibrante sobre el estilo negro masculino a lo largo de los siglos.
La exposición está organizada en doce secciones conceptuales, no lineales, que trazan un mapa emocional, estético y político del estilo negro masculino a lo largo de los siglos. Cada módulo es un manifiesto visual sobre cómo el vestir se convierte en un acto de resistencia, de expresión cultural y de afirmación personal.
La muestra construye una narrativa rica y vibrante sobre el estilo negro masculino a lo largo de los siglos.
“Distinción”: es la primera fase de la exposición. Muestra cómo el estilo ha sido usado para marcar diferencia y alcanzar respeto en entornos donde el racismo imponía límites. El refinamiento, la elección de telas, cortes y accesorios crean una narrativa de excelencia.
La muestra construye una narrativa rica y vibrante sobre el estilo negro masculino a lo largo de los siglos.
“Propiedad”: este módulo impacta desde el inicio: un abrigo de terciopelo púrpura usado por un esclavizado en Maryland, bordado con hilos dorados, muestra cómo incluso el cuerpo del oprimido podía ser convertido en símbolo de riqueza ajena, y muestra cómo esa misma ropa podía ser reapropiada como símbolo de libertad.
La exposición es una experiencia sensorial, intelectual y emocional.
Más adelante, un conjunto de estilo contemporáneo, de Grace Wales Bonner, en terciopelo de seda y adornado con cristales y cauris (antigua moneda africana). El mensaje es claro: vestir puede ser una forma de sanar, de reclamar lo nuestro.
En la sección “Disfraz”, antiguos anuncios de periódicos ofrecen recompensas por esclavos fugitivos. Muchos eran descritos como “particularmente aficionados a la ropa”, porque su vestimenta podía ayudarlos a ocultar su identidad… o ser vendida para financiar una nueva vida en libertad.
La exposición es una experiencia sensorial, intelectual y emocional.
En paralelo, chaquetas de Off-White juegan con los límites de lo masculino y lo femenino, desafiando etiquetas desde la moda actual. Investiga cómo, en tiempos de esclavitud, vestirse con elegancia podía ser un acto de supervivencia. La ropa permitía a los esclavizados escapar o financiar su libertad. Hoy, esta idea se refleja en piezas que juegan con los roles de género y las identidades híbridas.
“Herencia”, Agbobly conmueve con un diseño lleno de color inspirado en las bolsas que los migrantes africanos usaban para llevar sus pertenencias. Otro conjunto, en denim con cuentas y cristales, honra a las mujeres de su infancia: sus tías, su abuela, los salones de trenzado… lugares donde se forjaban lazos y pertenencia. Este módulo destaca cómo los diseñadores contemporáneos honran sus raíces africanas y caribeñas. Piezas inspiradas en textiles tradicionales, objetos cotidianos o recuerdos familiares revelan una conexión viva con la diáspora.
El recorrido cultural refiere que vestirse por encima de su posición, en muchos casos, era una cuestión de vida o muerte. También era una forma de transitar de la esclavitud a la libertad.
“Presencia”: aborda el poder de la imagen pública. Desde los retratos de hombres negros del siglo XIX hasta la forma en que líderes como Du Bois proyectaban autoridad y sofisticación, esta sección demuestra cómo la presencia visual es un lenguaje de respeto y representación.
“Libertad”: celebra la moda como un espacio de autonomía. Desde atuendos de artistas contemporáneos hasta referencias a épocas de liberación histórica, esta sección habla del derecho a vestir para ser y pertenecer.
“Campeón”: rinde homenaje a quienes, desde el deporte, el arte o la política, han usado su imagen como escudo y estandarte. Aquí, el estilo se convierte en una forma de liderazgo cultural.
“Jook”: se refiere al universo de los espacios de disfrute, donde la moda era desinhibida, creativa y profundamente personal. Una celebración de la autenticidad.
“Belleza”: reivindica la estética negra en sus múltiples formas. El cuerpo, los adornos, los tejidos, todo habla de una belleza que resiste cánones impuestos.
“Frescura”: exalta la capacidad del estilo negro para reinventarse, ser vanguardista y marcar tendencias. Es actitud, ingenio y personalidad convertidos en lenguaje visual.
“Cosmopolita”: esta sección refleja cómo los hombres negros han sido ciudadanos del mundo, apropiándose de estilos globales sin perder su identidad.
“Distinción (bis)”: el concepto se repite al final del recorrido para subrayar su relevancia en toda la exposición.
Estas secciones componen una experiencia curatorial que, más allá de la moda, narra una historia de lucha, ingenio y celebración cultural. En “Superfine”, cada prenda y cada objeto es una declaración de estilo… y de historia.
